Il n’y a rien à dire

Jeudi, j’ai assisté à la dernière soirée de la semaine de la critique. Il y avait beaucoup de monde, l’auditorium était plein. La semaine précédente, on m’avait trouvé à la Slot Machines à sous de la soirée : „Mettre en scène le féminisme“. Comme presque toujours, deux films ont été projetés, d’abord Pretty Girls Don’t Lie de Jovana Reisinger (29 min), puis Das melancholische Mädchen de Susanne Heinrich (80 min). Les deux films ont été réalisés en Allemagne. Tous deux traitent principalement, mais pas exclusivement, de la construction des identités (de genre) dans les sociétés capitalistes. Tous deux sont, comme on dit, „stylisés“ : au lieu d’effets de réalisme, ils travaillent avec des exagérations, des exagérations et des aliénations qui, dans leur cas, servent avant tout à rendre reconnaissable et à critiquer les réalités sociales perçues – mais aussi à procurer un plaisir esthétique. Pour en savoir plus, cliquez ici : https://www.nytimes.com/2018/05/02/movies/the-guardians-review.html

Pretty Girls Don’t Lie se moque des situations tristes. Une femme poursuit ses rêves. Ses rêves sont la richesse, la beauté et l’affirmation d’hommes glamour. Le film saute et glisse à travers différents systèmes de référence médiatiques, qui sont largement ironisés, sans contexte d’intrigue évident : Les jeux télévisés, la télé-réalité, les feuilletons, le télé-achat, le monde du cinéma du groupe munichois. Un Emcee gras invite à l’élection de Miss Superblonde. Un représentant d’Internet fait de la publicité pour un jus rajeunissant. Parce que les sexismes du présent sont ici dans des vêtements dépassés, tant au niveau de leur habitus que littéralement, ils semblent dépassés, mais pas dépassés. Tout est délibérément un peu faussé et à cet égard ridicule : le jeu des acteurs, la musique légèrement funky, même la voix du commentateur qui est un peu hargneux. Pourtant, les garçons et les poupées ne remplissent jamais tout à fait l’image de ce qu’ils sont censés représenter – ce qui donne bien sûr des raisons d’espérer que tout pourrait changer.

La jeune fille mélancolique procède de la même manière sur un mode déconstructiviste

La figure titre (Marie Rathscheck), qui se refuse à toute attribution, fonctionne comme la charnière d’une série de tableaux et de vignettes qui mettent en scène certains schémas de pensée et de comportement, modes d’être et attitudes, régimes de regard et rapports de force. Grâce à une esthétique qui réduit (presque) tout au geste – des décors cubistes de la scénographie à l’emporte-pièce au dialogue cryptique – mais qui en même temps change constamment, l’absurdité des choses est mise en évidence. Les chapitres portent des titres tels que „Utopie“, „La recherche de la religion dans les lieux désenchantés“ ou „Les vestiges de la psychologie“. Dans son voyage à travers des espaces imaginaires et des lits d’hommes, accompagné de sons de big band envoûtants, la jeune fille mélancolique exploite divers modèles de vie pour leur viabilité. La théorie critique est citée, jouée et illustrée sous forme de livre. Il s’agit de la forme marchande du féminisme contemporain et de la permanence du regard masculin. Sur la culture des rencontres comme zone d’aliénation, la compulsion omniprésente d’auto-optimisation et ses alternatives trompeuses.

La discussion qui a suivi les projections, modérée par Frédéric Jaeger et largement tenue en anglais, a réuni les deux cinéastes, la philosophe britannique Nina Power et l’auteur-cinéaste américain Whit Stillman autour de quelques verres de rhum devant l’écran. Tout d’abord, des questions ont été posées sur la „mise en scène“ des films et des discussions ont eu lieu sur la génération d’idées et les contextes de production. Jovana Reisinger a fait un reportage sur son tournage à Bad Füssing, Susanne Heinrich sur son inspiration par Brecht. Nina Power a fait l’éloge des deux œuvres, pour Das melancholische Mädchen elle a trouvé la description intéressante „Netflix de l’âme“. Puis Whit Stillman a pris le sol – et a marqué une incision. Sa curiosité porte sur l’utilisation de „vieilles formes“ telles que le langage visuel du cinéma muet ; il croit toujours à l’expressivité du cinéma narratif. „Je pense qu’il faut oublier les histoires“, rétorque Heinrich. Stillman : „Je ne le fais pas.“

Le fait que les fronts ainsi ouverts étaient immédiatement visibles dans toute la salle était perceptible dans les chuchotements et les rires du public

Une dichotomie bien connue : distance vs identification, récit vs montage, art comme ordre de confusion vs art comme confusion d’ordre, „confort“, comme le disait Heinrich, vs irritation. Malgré d’éventuelles digressions et un passage relativement rapide à la conciliation, la dichotomie est restée jusqu’à la fin de la conversation.

Au début, cela m’a ennuyé. Principalement parce que, comme souvent, elle a empêché une réflexion fondamentale sur les termes utilisés. Mais aussi parce que la critique de Stillman sur les films présentés (à un moment donné, il a attesté d’un „point de vue conformiste“) m’a semblé en partie compréhensible, mais ici, elle a donné l’impression peu flatteuse de l’admission à courte vue d’un vieil homme tombé hors du temps dans le cercle des jeunes femmes progressistes. Ce qui m’a irrité dans La Fille mélancolique, par exemple, ce n’était pas tant ses images de moralité, dans lesquelles je ne voyais que des impasses du présent politique qui m’étaient suffisamment familières, reflétées, mais plutôt son bon fonctionnement en tant que „système“ de pièces fixes se référant les unes aux autres, que Heinrich lui-même disait avoir conçu, une analyse satirique du désespoir calculé jusqu’au dernier pépin, que Power a judicieusement, bien que positivement connoté, appelé un „monde fermé“.

Mais malheureusement, cette façon de penser mène aussi à des impasses. Je laisse donc passer ma colère pour l’instant, les films suintent et quelques questions jaillissent, que j’aurais dû poser tout de suite :

Est-il vraiment utile de distinguer entre la narration et son contraire ?

Est-il possible de s’identifier à un manque d’identité ?

Qu’est-ce qui est le plus puissant : un film ou le contexte dans lequel il est montré ?

Le fait est que les films de Heinrich et Reisinger sont des anomalies dans le flux d’images en mouvement allemand, bien qu’il y ait quelques parents intellectuels (Der lange Sommer der Theorie d’Irene von Alberti, les œuvres de Julian Radlmaier et Max Linz). Ce n’est pas parce qu’ils s’ouvrent à moi de manière peu originale que les autres ressentent la même chose. Faites-les donc sortir – de préférence dans des endroits où ils n’ont pas du tout leur place.

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